HOMENAJE A LA LEYENDA

.

En este blog solemos hablar con cierta frecuencia y con mucho cariño del séptimo arte. Hemos tocado ya muchos palos, la comedia, el drama, el western, el cine de autor e incluso el musical; pero nunca, hasta ahora, habíamos tratado como se merece el cine de animación.
La verdad, es que si hemos de ser justos, ya es tiempo que le rindamos su homenaje, y lo voy a hacer en la persona, sin la cual, este género simplemente no sería considerado cine, ni arte en mayúsculas. Probablemente, más de uno, habrá pensado acertadamente en la figura de Walt Disney.
.
Que Walt Disney es la figura más importante del cine de animación es como decir que las hojas de los árboles son de color verde. Guste o no guste, es así, por derecho propio.
Fue el pionero, el impulsor del cine de dibujos animados hacía la gran pantalla, el primero que planteó un largometraje de dibujos y además lo hizo con calidad y buen gusto. Pero posiblemente, el secreto de su triunfo radicaba en su habilidad para elegir historias intemporales y que, por tanto, fuesen conocidas de antemano y pudiesen ser gozadas por cada nueva generación de espectadores.
.
Inquieto e innovador por naturaleza, desde sus inicios siempre fue un audaz emprendedor; cuando ya se había hecho un nombre en la industria de Hollywood, gracias a su celebre ratón Mickey, Walt Disney emprendió una iniciativa arriesgada y sin precedentes: producir el primer largometraje de dibujos animados de la historia del cine. Blancanieves y los siete enanitos (1937); con el demostró no sólo que Disney y su equipo eran unos virtuosos de la animación, sino que los dibujos animados podían ser todo un género cinematográfico. La película recaudó cuatro millones de dólares, un récord para la época. No vamos a descubrir nada nuevo si decimos que Disney era mejor empresario que dibujante, y así lo demostró también en todas sus facetas. Disney siempre pensó que el producto de ocio no debía limitarse a una sala de cine, sino que podía completarse con un complejo entramado de productos relacionados entre sí: los productos modernos, como “la Guerra de las Galaxias” o “El señor de los anillos” (ese megaproducto compuesto por películas, libros, muñecos, juegos de rol y camisetas), no son más que desarrollos del concepto de espectáculo ideado por Walt Disney; gran inventor sin duda del merchandising cinematográfico.
.
Pero, a parte de su cara mercantilista, si hemos de rendirle pleitesía es por la gran cantidad de obras maestras que salieron de su factoría. Historias entrañables, bonitas, conmovedoras, pero sobre todo entretenidas, que han disfrutado ya, muchas generaciones. Éxitos muchos de ellos, de público y crítica, y avalados por cantidad de premios y nada menos que por 29 oscars en vida de Walt, luego vendrían alguno más.
.
Disney murió en 1966, en plena flor de su triunfo y sin llegar a ver terminado “El libro de la selva” (1967), la segunda película más comercial de Disney desde Blancanieves.
La era post-Disney tuvo sus altibajos en la productora, después de la muerte de su creador. Con variada fortuna, tratarían de sustituirle figuras tan dispares como su hermano Roy O. Disney, su sobrino Roy E. Disney y su yerno Ron Miller. Pero sólo el productor ejecutivo Michael Eisner demostró ser digno sucesor suyo.
.
Después de años de mucha producción y pocos éxitos destacables, los estudios Disney volvieron a ser los reyes del género del dibujo animado en la nueva década dorada de 1989 al 1999, con títulos tan geniales como “La bella y la bestia” (1991), “El Rey León” (1994). “El Jorobado de Notre Dame” (1996), y “Tarzán” (1999). Producciones estas donde se compaginaba, con acierto, una buena historia, impresionantes dibujos y magníficas bandas sonoras.
Luego, la Disney se unió a PIXAR, claudicando hacía la pura animación digital, pero ya nada sería igual y el mercantilismo sempiterno de la compañía acabó, a mi modo de ver, por hundir al arte. Repito, ya nada es igual.
.
Sin embargo, a pesar de sus muchos detractores, que tuvo y tiene, nadie puede negar a Walt Disney, el título de leyenda. Disney sin duda es uno de los nombres fundamentales de la cultura popular universal del siglo XX; y así lo hemos querido reconocer hoy, aquí.

***
Lion King - Circle of Life.

***

Tarzan - You'll be in my heart

* * * * *

PINTANDO SUEÑOS

.

Si el otro día os hablaba de una obra cinematográfica, tremendamente surrealista y sensacional, como es “Milagro en Milán”, hoy os quiero traer a un artista plástico, que además de ser uno de mis preferidos, guarda en sus obras muchas similitudes con aquella película.
El artista del que os hablo es Marc Chagall. (7 de julio 1887 - 28 de marzo 1985)
Chagall es uno de los grandes artistas de la pintura moderna, y sin duda uno de los más influyentes en los creadores posteriores tanto del siglo XX como del XXI.
.
Fue un hombre polifacético, no sólo se dedicó a la pintura, escribió poesía, diseñó escenografías y vestuario, realizó ilustraciones de libros, cerámica, vidrieras, mosaicos, esculturas y tapices.
En un principio, Chagall fue un participante activo en la Revolución Rusa del 17. El Ministro de Cultura Soviética lo nombró Comisario de Arte. Sin embargo, como buen artista, amante de la libertad y el espíritu, no se desenvolvió bien dentro del sistema soviético y acaba por ser un renegado del comunismo.
A los 45 años, Chagall abandonó su Rusia natal y se instaló en Paris; al poco tiempo de estar allí, también tuvo que huir de la Francia ocupada por Hitler, (sus orígenes eran judíos). En 1941 llegó a Nueva York. Ese mismo año murió Bella, su esposa. Algunos años después Chagall volvió a Francia, y en 1952, volvió a casarse, esta vez la elegida fue Valentine (Vava) Brodsky.
Murió a los 98 años y está enterrado en el Museo del pueblo de Saint-Paul de Vence (cerca de Niza, Francia).
.
Toda esta azarosa vida llena de persecuciones, huidas, amoríos y búsqueda están fielmente retratados en su obra.
La obra de Chagall parece insistir en unir dos opuestos: un profundo enraizamiento en la vida, en las tradiciones judías, en sus evocaciones del primer núcleo familiar y una aspiración incontenible a la libertad para expresar lo universal.
Aunque inicialmente, el uso del color y la búsqueda formal derivan en parte del expresionismo ruso y del cubismo y el surrealismo franceses; con el tiempo Chagall, como todos los grandes, acabaría por lograr un estilo propio sugerente, emotivo, onírico, poético, genial y distinto.
Se podría decir que Chagall es un místico del arte, Hay en sus obras un obsesivo y gracioso delirio, una violación sistemática de las leyes de la gravedad, que no creo que sean fruto de la ingenuidad. Sino de un deseo consciente de plasmar la libertad de las almas. Sus obras son metáforas y son parábolas, y son al mismo tiempo belleza y color.
.

No sigo más, porque de sobra ha quedado clara mi fascinación por este artista, prefiero dejaros algunas muestras de su arte, para compartirlas y sentirlas con vosotros.

* * * * *

ABRIENDO PUERTAS A LA UTOPÍA

.

No hace mucho tiempo, tuve el placer de visionar, de nuevo, esa joya del cine italiano que es “Milagro en Milán”. Esta excelente fábula de Vittorio de Sica, siempre me ha provocado a partes iguales, sentimientos de ternura y reflexión.
De Sica, aquí, está a la altura de otros grandes cineastas como René Clair o Tati; en este film crea lo que sin duda es, la historia más fantástica, en todos los sentidos, de la cinematografía europea.

.

"Milagro en Milán" es una comedia divertida y fresca, que ya no pertenece al neorrealismo puro, pero que sigue teniendo parte de la temática habitual de ese movimiento.

A propósito de la crisis que nos invade, hemos de decir que lo más destacable del film, probablemente, es el retrato descarnado de las ciudades europeas sumidas en la crisis más absoluta tras la segunda guerra mundial. Ciudades y personajes sobrevivientes al horror, a la carencia, al vacío, se aferran a la fantasía en forma de personajes mágicos con poderes, para creerse que es posible recomponer las cosas y volver a creer en lo necesario.

.

Concretamente la película cuenta la historia de una barriada de pobres y la vida diaria de los mismos; y lo hace a través del increíble relato de la vida de un joven que nunca tuvo nada mas que el cariño desbordante de la anciana que lo crió, y ya no necesitó más para ser feliz. Felicidad que no perdió pese a las privaciones, en una trayectoria que va, desde completar su infancia en un orfanato hasta compartir las miserias con los desheredados de la sociedad, a quienes él, contagiaba la felicidad de su bondad.
Fundamentalmente, “Milagro en Milán”, retrata la dura realidad de los pobres que se ven condenados a vivir en condiciones infrahumanas. Pero no es el suyo un retrato sórdido o desgarrado, ya que los pobres de su relato tienen la alegría de vivir, de gozar con todas las pequeñas cosas, incluso con un pequeño rayo de sol, o con el amanecer de cada día. Una alegría solidaria y contagiante que por sí misma es un milagro.
Es un maravilloso “cuento de Navidad”, lleno de simpatía, realismo mágico, poesía visual, sátira social, y del humor más fino y tierno. Elementos estos que se combinan para lograr una película conmovedora y fuertemente crítica hacia las desigualdades y los egoísmos.

.

En definitiva, “Milagro en Milán”, es una hermosa parábola y además una obra de arte cuyo alegato se basa en la necesidad de intentar un mundo mejor; por eso, recomiendo vivamente a todos mis lectores que la vean y sobretodo a los que creen haberlo visto todo sobre cine europeo.
Por favor, si pueden, disfruten de esta gran visión del Amor, del genial, Vittorio de Sica.

* * * * *

CINE DE Y PARA SIEMPRE

.

Hace no mucho tiempo, recomendábamos en este blog, -Dublineses-, la que fúe última obra de John Huston; y hago referencia a la misma por la coincidencia, ya que hoy vamos a comentar, la obra de otro John, y también de tema irlandés.
.
En este caso se trata de la magistral, “The quiet man”, -el hombre tranquilo-, del siempre fantástico John Ford.
La película es un gran collage de personajes entrañables, con diálogos cargados de humor y unos paisajes maravillosos.
.
La historia es la de un ex-boxeador Sean Thornton (John Wayne) que vuelve al pueblo donde nació (Innisfree), después de haber pasado casi toda su vida en Estados Unidos.
Al llegar, conoce a la pelirroja, Mary Kate Danaher (Maureen O’Hara) de la que se enamora y con la que se casa.
El problema viene cuando el hermano de ella (un gran Victor McLaglen) se niega a dar la dote que corresponde a su hermana...y mientras que a Sean no le importa, Mary Kate monta en cólera ante la pasividad de su reciente marido para reclamar lo que es suyo.
Lo que ella no sabe es que Sean oculta un secreto en su pasado que le impide pelear...
La historia discurre entre las discusiones de un matrimonio que a pesar de estar locamente enamorados son incapaces de ser felices por puro orgullo...y todo un pueblo que asiste al espectáculo, no sólo como meros espectadores sino que tratan de ayudarlos a resolver sus problemas.
.
Es, sin duda este, un delicioso retrato costumbrista, donde las tradiciones cobran la máxima importancia. En el film se muestran imágenes bucólicas de una Irlanda por la cual parece que se ha detenido el tiempo. Los trenes llegan con retraso, los hombres irlandeses van a la taberna a beber una pinta, al mismo tiempo que cantan a coro hermosas canciones. Además, para pedir la mano de una joven, hay que pedir el consentimiento al padre o al hermano siguiendo unos rituales ancestrales.
Sin embargo, no es una película ñoña, es una película amable...divertida, que nos ofrece el choque entre la visión moderna de un hombre criado en Estados Unidos y las tradiciones de ese pequeño pueblo irlandés.
.
Ya han pasado más de 50 años desde que se rodó, viéndola está claro que los tiempos eran otros. Hoy ningún estudio aceptaría rodarla. La filosofía que desprende es demasiado machista, frases como "Aquí tiene una buena vara para pegar a su encantadora señora", hoy serían fulminantemente eliminadas del guión. Pero, a pesar esto la película sigue siendo magnífica y encantadora; y verla es un disfrute. Porque está hecha de una manera que incluso hoy es imposible no sonreír con ella y pensar que con todo, Ininsfree es un lugar maravilloso.
.
Que más podemos decir, que la música es la correcta, la justa y necesaria; que es una obra maestra absoluta y que Wayne, Maureen O’Hara y Victor McLaglen están estupendos, (Maureen más guapa que nunca). ¡Ah si!, y que este film, en el año de su producción, 1952, logró dos oscar, incluido el de mejor director, pero eso es lo de menos.
¿Puede alguien hoy día llegar al nivel de Ford en este filme? Simplemente es imposible, porque es una obra de arte que va más allá del tiempo y del espacio. Simplemente, es soberbia.

.
Os dejo con la que, probablemente es una de las escenas más bonitas y románticas de la historia del cine.

.

* * * * *

2001 PASÓ HACE ¡¡40 AÑOS!!

.

Este abril pasado se cumplió, nada menos que la friolera de 40 años del estreno de esta película. Y por eso en este blog no queremos olvidarnos de tan señalado aniversario.
"2001, una odisea en el espacio", es sin duda, la obra más emblemática de la ciencia-ficción cinematográfica y además es la obra maestra de ese gran cineasta que fue Stanley Kubrick.
Esta película difícil, pero de extraordinaria belleza, está basada en un relato original de Arthur C. Clark, el centinela.
.
El film se divide en cuatro actos. En cada uno de ellos, Kubrick describe una etapa distinta en la evolución del hombre. Surgen muchas interpretaciones de cada parte por la naturaleza críptica de la película en sí misma. Y seguramente esto se potencia en el último acto. El brillante director incluye mensajes tal vez, difíciles de descifrar para el espectador común. Por eso probablemente mucha gente dice que se aburre cuando la ve,
no hace falta que diga que a mi me fascinó y me sigue atrayendo y provocando cada vez que la veo. Porque pienso que no es sólo una película, sino arte, y el arte siempre requiere colaboración por parte del espectador.
.
2001 es una obra maestra inigualable, pero además es completamente irrealizable en la actualidad. Hoy en día, ningún estudio cinematográfico le permitiría a un director filmar una película de ciencia ficción sin que explote algo y con muy pocos diálogos.
.
Por eso, incluso en la época de su estreno, tampoco fue demasiado bien acogida; era una obra demasiado innovadora, yo diría que anticipada en el tiempo. Demasiado extraña, nada igual se había visto así, en las pantallas de un cine.
Uno muestra de esto, es la música. La banda sonora, en 2001, no sólo cumple una función de acompañamiento. Es protagonista principal. Kubrick utilizó la introducción de “Así habló Zaratustra”, poema sinfónico compuesto por Richard Strauss, y la fundió con las imágenes que brotaron de su mente. Desde entonces música e imagen se convirtieron en un solo ente. ¿Quién desde entonces, es capaz de escuchar el Danubio Azul, sin imaginar un fondo negro espacial con naves flotando?.
.
Al margen de la novedad por el carácter del género, y de sus hechuras, por primera vez el cine, formulaba las preguntas fundamentales de la existencia del hombre, y más todavía, espoleaba con sus imágenes a las personas que tenían esas mismas inquietudes, promoviendo una reflexión interior rica y abierta. La película supuso una apertura de conciencia.
Las obras de arte verdaderamente grandes, siempre son abiertas, y siempre que buscan la transcendencia, trascienden a si mismas. Así pues, 2001 es el “VIAJE” por excelencia. Es un viaje, que no sólo acaba en Júpiter o con su proyección, sino va mucho más allá, y por tiempo indefinido.
.
Para terminar permitidme que desvele una pequeña intimidad, ¿Sabeís cual es el fondo de pantalla de mi ordenador?....ni más ni menos, que la imagen que aparece a continuación. ;-)

.

***

***

* * * * *

ENGAÑ-ARTE

Casi todos mis habituales saben de mi pasión por el arte en todas sus facetas. Aquí hemos hablado de cine, de literatura, de música y por supuesto de pintura; y dentro de las artes plásticas he intentado compartir, con mis lectores, mi gusto por alguna de las excepcionales obras clásicas del arte pictórico universal (Van der Weyden o El Bosco); y así lo seguiremos haciendo proximamente. Pero hoy quisiera inducir a la reflexión, respecto a la tergiversación que la palabra -arte- está sufriendo, principalmente desde finales del siglo XX y principios de este siglo XXI.

Sin duda, salvo honrosas excepciones, el arte ya no es lo que era, los actuales "artistas", más bien son grandes cuentistas, inventores de la nada, genios de la basura y del mal gusto. Lo que llama la atención es el éxito que alcanzan. La culpa la tienen, principalmente, los galeristas y expositores sin escrúpulos que permiten a estos mamarrachos colgar sus bodrios en sus locales, a cambio de engrosar sus caudales; pero sobretodo el snobismo, el papanatismo, la tonteria y la ignorancia suprema del público que les alaba incondicionalmente, sin saber, en la mayoría de los casos, que significa o que quiere decir tal o cual obra; quizás porque, en muchos casos, no quiere decir nada, porque es un simple y sencillo garabato sin sentido.

Cuando la imaginación y la genialidad falla, triunfa el esperpento, -el sueño de la razón, produce monstruos-. Para corroborar todo lo que estoy diciendo, tan sólo dos botones de muestra.

En una de las recientes ediciones de la feria de arte moderno ARCO, el artista (?) Jan Fabre, exponia una horrible obra hecha con gatos muertos, en distintas posturas, unos como queriendo arañar los cristales de la vitrina y otros colgados de unos ganchos... ¡realmente repugnante!. Si eso es arte, que venga Dios y lo vea.

Así mismo, en la misma feria, se podían observar lindezas tales como bolsas de basura con precio y vaginas gigantes por donde meter la cabeza... en fín, el desbarre total.

.

El otro ejemplo viene en forma de vídeo, y habla por sí solo...les ruego que lo vean y piensen, si lo que está pasando es normal..Sin duda, en este tema como en otros muchos, escasea la educación y la cultura.

* * * * *

SENTIDO Y SENSIBILIDAD

Por fín llegó el sábado...por fín, mira que ya tenía ganas. Ha sido una semana "calentita" por llamarla algo, así que la elección musical de hoy, quiero que sea especialmente tranquila, genial al tiempo que emotiva.

.

Para eso, he escogido alguno de mis temas preferidos, aquellos que busco en ciertos momentos.

Ternura, emoción, melancolía, dulzura, evocación, ....oiganlas y pongan ustedes el calificativo que mejor se adapte a su estado anímico; seguro que van a encontrar alguno de los ya propuestos.

.
John Denver - Annie´s Song.

***

500 Miles - Peter, Paul & Mary.

***

DONOVAN - COLORS.

***

La siguiente va por partida doble; 1º la original, del mejor Dylan, y su título (ya que va a ir dos veces), es...Don't Think Twice, It's Alright.

***

La siguiente es otra vez la misma canción, aunque a algunos no se lo va a parecer. Ahora la versión es del mismo DYLAN y de mi ídolo dorado, el viejo slowhand. No sé que versión me gusta más, no sabría decantarme, pero esta es GENIAL. No os vais a arrepentir de haber escuchado ninguna de ellas.

***

Y como colofón, y bonus track adicional, una canción que ya ha salido alguna vez por este blog, pero que en un post con el título que este tiene, por fuerza, tiene que estar este tema, para mi uno de mis referentes en momentos de flojera.

Tears in heaven. No hace falta decir de quien.

Mañana más, salute a tutti.

UNA IMAGEN VALE MÁS QUE...

Simplemente como divertimento y de cara al relajo del fín de semana, me he permitido usar del arte pictórico, fotográfico y de la ilustración, para crear una serie de -parecidos razonables, en lo que he dado en llamar..."imágenes del pasado con una nueva perspectiva", ahí os van unas cuantos ejemplos, ya me contaréis si os gusta. ;-D

.

***
***
***
***

Para acabar este "casi" sin palabras, os propongo una fácil adivinanza, ¿sabéis a que otro cuadro del genial Goya, estoy parodiando en esta última imagen de cosecha propia?... a que sí. Esto se llama historia - ficción.
.

***

Saludos y hasta mañana que tocará música.

* * * * *

DEJEMOS LAS COSAS COMO ESTÁN

¡Miedo me da!, a veces habría que dejar las cosas como están y sobretodo respetar el arte. Acabo de leer sorprendido que Holywood está preparando un remake de la magnífica obra de Zinemann, “Solo ante el peligro”.
.
"Solo ante el peligro" es sin duda la película de Gary Cooper por excelencia, con la que ganó el segundo de sus tres Oscar a mejor actor de la Academia, y además es uno de los mejores exponentes del buen cine, del cine con valores.
Fue estrenada en el año 1952, y desde entonces por derecho propio, se convirtió en un clásico de la historia del cine.
En forma de “western”, y aprovechando la madurez de expresión que había alcanzado este género a partir, esencialmente, del trabajo de John Ford, Zinermann aborda el conflicto de un “sheriff”, que se debate entre su instinto de conservación y el deber moral de cumplir con su obligación en base a sus principios éticos.
.
La película narra unas cuantas horas en la vida de un sheriff provinciano, que en el día de su boda, ha de enfrentarse en solitario con un grupo de forajidos, capitaneados por un asesino a quien hace años dicho sheriff mandó a la cárcel.
En la pacífica localidad de Hadlevylle, a las diez y media de la mañana de un domingo, el sheriff Kane se casa con Amy. A punto de emprender su viaje de bodas, llega la noticia de que Frank Miller, ha salido de la cárcel y llegará en el tren de las doce, dispuesto a vengarse. Con gran sentido del deber, Kane decide quedarse y hacer frente a Miller y a sus hombres. Pero sus conciudadanos por los más diversos motivos, le vuelven la espalda.
.
La película así, cuenta la historia de un solitario y noble personaje, abandonado por los suyos. Con lo que, que se ve obligado a enfrentarse a una muerte casi segura, por cumplir con su deber moral, pero a pesar de las presiones, tiene clara su misión y las consecuencias de la huida: "Si huimos ahora deberemos seguir huyendo todo el resto de nuestras vidas".
A partir de ese abandono, siguen 90 minutos interminables, cargados de angustia y desesperación. “Solo ante el peligro” es un "thriller" adelantado a su tiempo, supuso una audacia en la realización, la película está narrada en tiempo real, y la historia está planteada como si fuese una película de suspense que culmina magistralmente en la maravillosa escena final.
Para que el espectador sea consciente de este hecho, y mantenga la sensación de suspense, constantemente el realizador nos ofrece vistas directas o indirectas de relojes que van marcando los minutos hasta el fatídico mediodía, hora de la llegada del tren del forajido Miller. El uso del tiempo fue un recurso muy efectivo, son minutos en los que el espectador asiste a una paulatina y angustiosa contrarreloj.
Entre tanto, Kane se enfrenta a dos peligros: los pistoleros y la desesperación. Pero él es un RESISTENTE nato, Kane resistirá el reclamo de su esposa, la cobardía de sus amigos, la envidia de su alguacil y su propio deseo de abandonar. Resiste con fortaleza y cumple con su deber.

.

.
Siempre me han gustado las películas que además de entretener, hacen pensar, y esta lo hace. “Solo ante el peligro”, es una excelente película, donde se refleja la desesperanza, angustia y soledad que afronta el ser humano antes los grandes retos de la vida; ese reloj, metáfora del paso del tiempo y como las cosas van tornándose grises ante la cercanía de nuestros mayores temores.
Se rodó con una sencillez apabullante, sin gran presupuesto, sin artificio y por supuesto con muy pocos efectos especiales.
Dirigida, como ya hemos dicho, por Fred Zinemann y protagonizada por un maravilloso Gary Cooper, cuenta también con un buen puñado de secundarios, encabezados por Grace Kelly en su primer trabajo en cine. Y un elenco inigualable de grandes actores: Thomas Mitchell, Lloyd Bridge y Katy Jurado; esta última en un gran papel como Ellen Ramírez, una mexicana de vida desordenada pero con un gran sentido de la justicia y del honor.

.
“Solo ante el peligro”, pronto fue aclamada por crítica y público, fue todo un éxito de taquilla y logró cuatro Oscars, mejor actor, mejor montaje, mejor música y mejor canción y también fue candidata en los apartados de película, dirección y guión adaptado.
.
“Solo ante el peligro”, además dio un giro radical al género, al desmitificar el papel del héroe y hacer un retrato psicológico de su angustia. Probablemente esta película pasará a la historia por ser la primera película del oeste en la que el héroe tiene miedo…aunque lo afronta adecuadamente. Sin embargo es una película sin fisuras, dentro de ese género, ahora olvidado del western americano.
Ritmo, intensidad y precisión, una gran dirección, una magnifica y hermosa fotografía, pero también y tiene mucho que ver en la narración, una musicalización sorprendente y magistral. La música es uno de los factores claves de la película porque ayuda de forma efectiva, a generar esa atmósfera tensa y agobiante que es tan importante en la película.
Su banda sonora es simplemente magnífica y estuvo a cargo un mito, el gran Dimitri Tiomkin; su tema " Do not forsake me oh! my darling", formará parte siempre de la historia del séptimo arte.
.
“Solo ante el peligro”, es una obra maestra, que no debería tocarse NUNCA. El cine es arte gracias a obras como esta.
Si me tuviera que quedar con 10 escenas de la historia del cine, una de ellas, seria sin duda, la escena final. En la que, cuando ya todo ha pasado, y después de haberles pedido ayuda a todos sin respuesta, "Claro que necesito tu ayuda, pero no quiero comprarla, tiene que salir de ti", en el plano final, el protagonista, la dos únicas figuras dignas se abrazan, mientras que él mira hacia las personas del pueblo con un desprecio increíble y arroja su placa al sucio polvo de la calle, con el mismo desprecio que ellos le han mostrado negandole su ayuda. Esta sería mi escena elegida. El cine es lo que es, gracias a estos momentos.
.
Hubo un tiempo en Hollywood en que muchas de las principales estrellas cinematográficas eran católicas. Gary Cooper ocupó un lugar de honor. Querido por su bonhomía y sus modos sencillos, fue una figura ejemplar en su profesión y en su vida. Los personajes que encarnó, siempre representaron a personas de bien, con fuerte sentido del deber y del honor.
.
Dejemos las cosas como están. ¡Por favor!, que nadie ose mancillar su memoria, ni la historia del cine, con ese remake proyectado. NUNCA SERÁ IGUAL.

***

***

* * * * *

DON MIGUEL DE NADIE, DON MIGUEL DE TODOS.

Si el otro día glosábamos la figura de Eugenio d´Ors, gran español y gran catalán, hoy vamos a traer a la memoria a un vasco de enorme transcendencia en la literatura y el pensamiento español. Hoy vamos a hablar, nada menos que de D. Miguel de Unamuno.
.
Unamuno fue una de esas especies raras (yo diría que única) de intelectual puro que nunca se dejó encasillar. Pensador, filósofo, novelista, dramaturgo y poeta fue una de las referencias intelectuales de su época y, todavía sigue siendo hoy, uno de los pensadores más influyentes
Dotado de una personalidad contradictoria hizo de la constante duda el motor de su agitada vida y de su rica obra.
Doctor en filosofía, catedrático de griego, rector de la Universidad de Salamanca (por dos veces), exilado, comprometido, maldito, transcendente y genial, es uno de los pensadores más profundos y originales que ha dado el mundo.
.
Unamuno, concibe su existencia a partir de la vivencia particular y profunda del anhelo de trascendencia. Vive en continua búsqueda, cuestionándose, sin descanso, por el sentido de la vida. Sus meditaciones juegan un papel fundamental en su obra, la idea de la inmortalidad y de Dios, son el grito desesperado de su alma que necesita desesperadamente el encuentro con su creador.
Unamuno siempre dudó, pero esa duda era también un anhelo profundo de creer.
.
Fue Unamuno, posiblemente la figura más compleja de la Generación del 98, su obra es muy amplia y variada, ya que recorrió con suma creatividad todos los géneros literarios. Fue principalmente, un hombre que pensó y que con su obra hizo, hace y hará pensar.
.
Ahora bien, fue siempre una figura polémica y apasionada, extremista, inquieta, de notable valentía y coraje, y de cruel veracidad. En vida, no fue precisamente un personaje grato, aunque sí popular.
Menéndez Pidal fue el primero en decirlo: "Con Unamuno el diálogo se convertía pronto en un monólogo". Pío Baroja, amargo, en sus "Memorias" confirmó esta versión posteriormente: "Unamuno no hubiera dejado hablar, por gusto, a nadie. No escuchaba. Le hubiera explicado a Kant la filosofía kantiana, a Poincaré lo que era la matemática, a Plank su teoría de los quanta y a Einstein lo de la relatividad...". Nada más cierto: en sus relaciones, Miguel de Unamuno fue siempre impertinente y no tuvo el menor reparo en obviar todo lo no tuviese que ver con sus propias inquietudes intelectuales y religiosas, transmitidas posteriormente en cada uno de sus escritos como una sucesión de relámpagos nocturnos.
Es innegable que un hombre como él, hecho en la medida de sus arrebatos, no pudo menos que mantener una constante polémica con su entorno. Baste como ejemplo la que sostuvo con José Ortega Y Gasset durante años. Desde que supieron el uno del otro, el desencuentro fue total.
En su tiempo fue detestado, criticado, admirado; pero en cualquier caso, indispensable.
.
Unamuno también fue un poeta genial. Algunos lo consideran como uno de los mejores poetas líricos españoles de su siglo. Fue hondo y fecundo, pero siempre "unamuniano", es decir, muy suyo, inconfundible. En su poesía, Unamuno se deleita, se confiesa, se abre, nos muestra su amor familiar y religioso sinceros; su debatir y debatirse continuo consigo mismo. Pero, lo que si es verdad, es que, a los lectores, su poesía nos zarandea y nos azota, haciéndonos partícipes de sus propias dudas y angustias espirituales, como también es sus "ternuras" humanas.
.

.

En su vida pública, fue igual de contradictorio, siempre fue a contracorriente. Así como, ante la Guerra Civil, la intelectualidad española tuvo un cambio de actitud. Unamuno siguió el camino opuesto.
En su mayor parte, los intelectuales de la época, se encontraban en la España republicana al ocurrir el alzamiento. Y prácticamente todos firmaron un manifiesto en el que se pedía apoyo para la República. Las firmas de este manifiesto incluían las del médico y biógrafo doctor Marañón, el embajador y novelista Pérez de Ayala, el historiador Menéndez Pidal, y el prolífico escritor y filósofo José Ortega y Gasset. Sin embargo, ante las atrocidades republicanas y la creciente influencia de los comunistas estos hombres, que habían tenido parte importante en la creación de la República en 1931, aprovecharon cualquier oportunidad que tuvieran a su alcance para marchar al extranjero, y una vez allí, retirar su apoyo a la República.
En cambio Unamuno, como rector de la Universidad de Salamanca, se encontró al principio de la guerra civil en territorio nacionalista y apoyó al movimiento nacionalista en su "lucha por la civilización contra la tiranía". Sin embargo, aunque al principio saludó de buen grado, la sublevación del ejército español del general Franco, posteriormente les censuraría públicamente, en un acto celebrado en la Universidad de Salamanca, en su famoso comentario “venceréis, pero no convenceréis”.
.
Probablemente, el motivo de tales y tan constantes cambios, estaba en su afán sincero de continua búsqueda de “lo mejor”. Siempre fue el hombre comprometido, participativo y preocupado por su entorno. Su preocupación incesante por España, es un hecho que refleja muy bien su frase “¡Me duele España!”.
Esta preocupación de este gran vasco, por España se manifiesta también en sus ensayos “En torno al casticismo” (1895), “Vida de Don Quijote y Sancho” (1905), donde hace del libro cervantino la expresión máxima de la escuela española y permanente modelo de idealismo, y Por tierras de Portugal y España (1911). También son frecuentes los poemas dedicados a exaltar las tierras de Castilla, considerada la médula de España.
.
Dios y España, están presente en toda su producción literaria, son sus dos grandes preocupaciones. Cultivó todos los géneros literarios. Entre sus obras podemos destacar: las ya nombradas, “En torno al casticismo” y “Vida de Don Quijote y Sancho”, y además, “Del Sentimiento Trágico de la Vida”, “Niebla”, “Abel Sánchez”, “La Agonía del Cristianismo”, “La tía Tula” y “San Manuel Bueno, Mártir”. En poesía, además de muchas sueltas, sobresalen “Los Salmos” y “El Cristo de Velázquez”. Y en teatro, “Medea” y “El hermano Juan”.
.
Sin duda, D. Miguel, fue un personaje singular y además ejercía de ello. Vestía con gran ascetismo, no usaba corbata ni sombrero. Le bastaba un sobrio traje azul, que nunca se supo si fue el único, y unos zapatos bajos. Mantuvo matrimonio leal con Concha Lizárraga, que le dio la friolera de ocho hijos. No fumaba ni bebía. Se bañaba de madrugada, con agua helada. A las ocho de la mañana, puntual e invariablemente, daba su clase de griego, sin seguir programa alguno, y al terminar ésta contestaba su correspondencia, que no debió ser poca si se considera su anhelo de saber y decirlo todo; ya por la noche...dicen sus biografos que la dedicaba a pensar y escribir todas las maravillas que nos ha dejado.
.
Como hemos dicho, Dios y España fueron las constantes en la incógnita permanente en la vida y la obra de Unamuno. A día de hoy, habrá a quién, todo esto le sobre, pero a mí me ha parecido necesario hoy, recordar al pensador que trató de asir con fuerza, aunque sea desde la duda, estos dos grandes conceptos universales.
.
Por fin acabo con dos hermosas referencias suyas, la primera pertenece a su obra “NIEBLA”:
.
“¡Pues sí, soy español, español de nacimiento, de educación, de cuerpo, de espíritu, de lengua y hasta de profesión y oficio; español sobre todo y ante todo, y el españolismo es mi religión, y el cielo en que quiero creer es una España celestial y eterna, y mi Dios un Dios, el de Nuestro Señor Don Quijote, un dios que piensa en español y en español dijo: ¡sea la luz!, y su verbo fue verbo español…!”.
.

Y la segunda es un gran poemita suelto, que con seguridad, ya se habrá hecho, misericordiosa realidad, pues D. Miguel, hace tiempo, que cruzó el umbral de la eternidad, y está ya en el cielo añorado de los hombres justos:
.
“Agranda la puerta, Padre,
porque no puedo pasar;

la hiciste para los niños.
Yo he crecido, a mi pesar.
.
Si no me agrandas la puerta,
achícame, por piedad,
vuélveme a la edad bendita
en que vivir es soñar”.

***

Pdta. Referencias. Para Saber más:

Biografía (Aquí).

Bibliografía selecta (Aquí).
.

* * * * *

CINE DE LEYENDA.

El género del Western en las pantallas, está de capa caída y no sólo por el creciente antiamericanismo militante que pulula por estas tierras. Ahora, salvo honrosas excepciones, se prefieren otro tipo de historias donde prive la violencia sin sentido, el sexo desbordado, aberraciones múltiples, guiones vacuos y festival de efectos especiales, que con la ayuda de la técnica digital, han alcanzado un realismo inusitado.
.
El western, aunque esté en las antípodas de lo comentado, está considerado como uno de los géneros cinematográficos fundamentales. Incluso hay quien considera que es el género originario del séptimo arte.
A primera vista, sorprende que un género tan específicamente americano, tan ligado a su historia, alcanzara en todo el mundo un éxito tan extraordinario. Al margen de las simples historias de indios y vaqueros, que también las hubo, la explicación es, que supo transmitir una serie de valores de supervivencia, abnegación y heroísmo que hacía que sus historias tomaran tintes legendarios. Por eso, quizás, no estén ahora tan de moda. Esos valores, tampoco lo están.
.
Recientemente ha habido intentos de recuperar el género con "Silverado" de Lawrence Kasdan, o con la magnífica "Sin perdón" de Clint Eastwood, pero las pretensiones de resucitar el género han sido fallidas.
Sin embargo películas como "Raíces Profundas", "Centauros del desierto", "Solo ante el peligro" o "Cimarrón", siempre nos quedarán en la memoria como muestra de un cine épico, donde mucho de lo que cuenta, es aprovechable y donde se mezclan magistralmente documento y ficción.
.
A lo largo del tiempo el western se fue consolidando hasta convertirse en el retrato más preciso de la propia evolución de los Estados Unidos desde la época de los colonos hasta la instauración de las grandes ciudades.
Pero el western no sería nada sin sus actores, directores y escritores, sin aquellos que pusieron las palabras y dieron voz y gesto a los personajes legendarios: Henry Fonda, Gary Cooper, James Stewart, Clint Eastwood, Anthony Mann, Sam Peckinpah, y sobre todo John Ford y John Wayne.
.

.

Precisamente de estos últimos, hace poco, volví a ver, "El hombre que mató a Liberty Valance", y aunque algunos piensen que es un western crepuscular, para mí, es la cima del género y una de las grandes de toda la cinematografía mundial.
.
La trama se inicia cuando un viejo senador Ramson Stoddard (James Stewart), relata a un periodista como llegó a Shinbone con la finalidad de ejercer su profesión, la abogacía, e imponer justicia en aquellas tierras. Nada más llegar, es robado y golpeado brutalmente por el temido pistolero Liberty Valance. Así toma contacto, de forma súbita, con la realidad del oeste, que es muy diferente a la del este de donde procede este joven leguleyo.
.
La cinta está, intencionadamente, rodada en un soberbio blanco y negro con la finalidad de evocar los viejos westerns, esta filmada con sobriedad extrema, ausencia de artificiosidad, protagonistas éticamente íntegros en la defensa de sus convicciones y entrañables secundarios.
John Ford en esta magistral cinta nos entrega dos de sus personajes más memorables, por un lado el idealista abogado encarnado por James Stewart y, como contrapunto a este, al ser solitario (y profundamente romántico) al que da vida John Wayne. A través de ellos Ford materializa la dialéctica entre el derecho y la violencia, así como entre el progreso colectivo a través de la democracia y el individualismo imperante en el lejano oeste.
.
Debo confesar que cuando la vi la primera vez, me sentí desilusionado. Yo era muy joven, no la entendí y me quedé con la sensación de que era una más de "tiros", no era como me la habían contado. Sin embargo, a lo largo del tiempo comprendí que es mucho más profunda. Cuando más recientemente, la volví a ver, y estoy extasiado, emocionado, me atrapó de principio a fín.
¡Qué belleza!, Diálogos inteligentes, grandes interpretaciones, dirección perfecta, guión sublime, música preciosa. Una obra maestra donde se habla del amor, de la amistad sincera y desinteresada, y de cómo un personaje, Ramson Stoddard, termina usurpando (y disfrutando) la vida a la que estaba llamado a vivir el rudo Tom Doniphon (John Wayne). También nos habla de la justicia, de la ley, de la verdad y de la leyenda... Sublime, pura poesía.
Tampoco, cuando se estrenó, ni fue elogiada por la crítica ni considerada por el público, sin embargo, esta película se ha convertido en uno de los títulos más significativos del género.

.

.
"El hombre que mató a Liberty Valance" marca también el final de una época, Tom Doniphon (John Wayne) al matar a Liberty (Lee Marvin); al matarlo ("al matarse"), estaba certificando la defunción de toda una época, y también una forma muy particular de hacer y entender el cine. La película rinde un homenaje a la grandeza del pasado, a un tiempo irrecuperable. Porque un hombre equipado únicamente con la razón y la Ley, no hubiese podido llegar al otro extremo de la calle aquella fatídica noche.
.
La historia comienza y termina en un tren. La llegada del tren es el símbolo del fin de este mundo y la llegada de otro nuevo.
Un pasado donde, alguien perdidamente enamorado, que solo sabe regalar rosas con espinas era el verdadero idealista y además fue El hombre que mató a Liberty Valance.
La frase final lo resume todo:
"Esto es el oeste señor, si los hechos se convierten en leyenda, escribamos la leyenda”.
En definitiva cine en mayúsculas, cine del que ya no se hace. Por eso Wayne y Ford, Ford y Wayne, tanto monta, hoy son dos grandes leyendas del cine universal.

***

Con ustedes, John Wayne y Lee Marvin frente a frente. Saltan chispas ante la mirada del infortunado Stewart...

.

* * * * *

EN EL JARDÍN DE LOS SUEÑOS PASADOS

.
¿Por qué escribo un blog?, Pienso en el blog como un strip tease del alma; nunca persigo, a través de él, ni la fama, ni el afán de notoriedad; ni tampoco quiero utilizarlo únicamente, como válvula de escape de todos mis demonios internos. Concibo el blog, como una herramienta maravillosa de comunicación que me posibilita compartir. Hacer partícipes a los demás de mis pensamientos, sentimientos y vivencias, y al mismo tiempo enriquecerme de las aportaciones de los demás, en un maravilloso feed-back de donación y captación.
En ningún caso pienso, que mis cosas sean más o menos importantes que las de otros, pero si creo que tengo la obligación y la necesidad de dar, lo poco o mucho que he ido adquiriendo.
Y es sólo en ese sentido, de ir dejando jirones de mi vida en esto, el que hoy me mueve a traeros una de las grandes obsesiones de mi vida y a uno de los pintores mejores y más enigmáticos del arte mundial.
.
He ido al Museo del Prado desde niño, mi padre era pintor y gran aficionado al arte, fue mi primer maestro en estas lides. Desde pequeño fui descubriendo la magia de los grandes pintores, entre los que se encontraba en lugar muy destacado El Bosco.
La primera vez que ví alguna obra suya, confieso que no me gustó, es más, me daba miedo, hoy es uno de mis artistas preferidos.
.
Hieronymus Bosch, (1450-1516), en español conocido como el Bosco, es uno de los pintores más apasionantes y con más fuerza, de toda la historia de la pintura. Es también la figura más interesante y sobresaliente del arte plástico flamenco de los siglos XV y XVI.
De su biografía esbozamos rápidamente cuatro pinceladas, sabemos que nació en una pequeña ciudad de holandesa, cerca de Amberes, y que fue, en su localidad natal donde desarrolló toda su vida artística; que su niñez, transcurrió en el seno de una familia de artesanos donde aprendió el oficio, y que gracias a su destreza, ya a comienzos del XVI, era un artista de nombre consolidado en los Países Bajos, con encargos de altos personajes públicos, e incluso con fama fuera de las fronteras de su país. Y sobretodo, que es lo que nos atañe, fue precisamente gracias a esa notoriedad, la que hizo que el rey Felipe II de España, emperador por entonces del mundo conocido, adquiriera una gran colección de sus obras, por las que se interesó de forma especial.
.
Se dice que era tal la atracción que Felipe II tenía por las obras de El Bosco, que en su dormitorio del Monasterio de El Escorial mandó colgar el famoso tríptico de “El Jardín de Las Delicias”, obra que hoy es una de más visitadas en el Museo del Prado, y por mí cuando voy por allí, como ya llegué a comentar en un post anterior.

....

Aunque la temática de toda su obra es claramente de significación puramente religiosa, no hay que olvidar que fue miembro de la Hermandad de Nuestra Señora y devoto católico, a El Bosco le cabe el mérito de haber sido capaz de romper con la rutina del momento y de dar a sus creaciones un toque personalísimo. El Bosco fue un creador imaginativo como pocos, aportó a la pintura, un universo onírico de imágenes alucinantes, hasta entonces nunca visto, para despertar en el espectador sorpresa, estupor y una decidida inclinación moralista.

Toda esta fantástica cosmovisión fue la que realmente, impactó en Felipe II, que fue, como ya hemos comentado uno de sus más fieles seguidores y a quien debemos, en gran parte, que sus mejores cuadros se encuentren en España.
.
Entre estas obras principales, todas en el Prado, podemos contar con “El Jardín de las delicias”, para muchos su obra maestra; también “El carro de Heno”, “Las tentaciones de San Antonio”, “La extracción de la piedra de la locura”, y la curiosa “mesa de los pecados capitales”. Cada una a cual más genial y sorprendente que la otra.
.
El Bosco emprendió en su vida "el viaje interior" que reflejó en sus obras como una radiografía del hombre, de sus sueños, y de sus quimeras. Como ya hemos comentado, se pueden hacer miles de interpretaciones de su pintura, desde el ya comentado afán moralizante hasta la irónica caricatura del mundo que le rodea. Lo que está claro es que aún hoy, sigue siendo muy difícil interpretar sus cuadros, por su profundo contenido simbólico y alegórico.
El Bosco fue un adelantado de su tiempo, un surrealista del siglo XVI, espejo en que Dalí o Chirico se mirarían posteriormente, un artista eterno, pero siempre nuevo y que no pasa desapercibido nunca, , ni si quiera en estos albores del siglo XXI.
¿Habéis probado, pasar algún tiempo delante de la tabla central del Jardín de las Delicias? siempre encontraréis cosas nuevas y fascinantes, incluso debido a la abigarrada concentración de personajes, ¡lo mismo dais con el famoso Wally!; os invito, probad a hacerlo, seguro que os sorprende.

.

***

COLECCIÓN PERSONAL "BOSCONIANA" MUY PARTICULAR
.

LA PEREZA.

PEREZA es el pecado del NO HACER.
El ente es atrapado por el viejo árbol del tiempo; pies en alto, nunca llegara a tocar las realidades que pasan.- En el amanecer que no llega -tumbado en la hoja de todos los momentos- los frutos de la vida se desgranan en lo alto, pero tropiezan en el tejado de la desgana- sin adentrarse en su aposento. -aun mas alto- en el árbol- se empenacha un nido con pajuelas de oro y en el esperaran siempre los fabulosos huevos del rok sin abrir sus maravillas.
No obstante la pupila azul del hombre esta llena de un ... ¡¡si yo quisiera!!
Infinitamente, eternamente....SIEMPRE REPETIDO.

***

LA LUJURIA

En el complicado árbol de la vida, los frutos son siempre manzanas, que empiezan siendo verdes, y acaban al rojo vivo.
Sus ramas son brazos y piernas que se abren en saludos de bienvenida.
Sus moradores son:
El búho, que asoma sus silencios. El pájaro que pica la madura fruta y también la serpiente que con su perfidia desea ser un tercero en concordia.

***
LA ENVIDIA

Apetece -en su beneficio- el bien ajeno y SUBE al revés la escalera.... Que es bajar hacia su abismo por los peldaños de sus propios huesos.
Su aspecto humanoide participa de rabo de hiedra rampante y cabeza de decápodo con barbas prensiles. Su capa amarilla tremola como bandera de mala peste mientras un perro aúlla al hueso que pende del cuerno de la luna.

***

Pdta. Estos últimos cuadros y sus respectivos textos, pertenecen a algunos dibujos de mi padre, al que, también desde aquí, hoy quiero recordar de forma especial.

* * * * *

LA RISA COMO ARTE

.
Continuamos hoy ese repaso a las grandes personalidades del arte cinematográfico, que comenzamos el otro día con Spencer Tracy; y lo hacemos con un personaje mítico, genial, singular y también, lamentablemente olvidado.
Injustamente, cuando hablamos normalmente de cine, solemos hacerlo con prismáticos, mirando, no sin cierta envidia, a la lejana América, a la meca, a Hollywood. Esta vez no va a ser así, porque la vieja Europa también es cuna de grandes creadores, como ya hemos demostrado aquí, varias veces (Dreyer, Bergman…etc.); y el de hoy, también es buen ejemplo de ello.
.
Hace nada menos que 101 años, nació en París uno de los grandes del cine Europeo y del arte universal. Georges Emmanuel Tatischeff , más conocido por Jacques Tati.
Tati, vino al mundo en el seno de una acomodada familia aristocrática, su padre Dimitri Tatischeff, era el agregado militar de la embajada de Rusia en París. Sin embargo, muy pronto, el joven Jacques, probablemente daría a su padre el gran disgusto al no seguir sus intenciones y dedicarse de pleno al precario mundo artístico, formando parte de distintas compañías de music-hall.
.
Posteriormente, y para nuestro bien, se dedicó de lleno a plasmar todo su potencial artístico en cintas inolvidables. Tati, no fue un director muy prolífico, pero a penas con 10 películas, de las cuales, tan sólo seis son largometrajes, se convirtió con derecho propio en uno de los íconos del cine universal.
Tati fue un creador autodidacta, exceptuando su breve paso por el music-hall, nunca tuvo una especial formación teatral, ni tampoco pasó por escuela de cine alguna. Pero, sin lugar a dudas, su imaginación, su talento narrativo y su forma de concebir el cine, le hacen ser uno de los más grandes artistas del séptimo arte.
.
Fue uno de los mejores cómicos del siglo XX. En todos sus trabajos, cultivó el humor, e hizo de él, una fina e inteligente sátira de la vida contemporánea. Con su cine, se le puede considerar el heredero directo de los maestros del mejor cine cómico mudo,
Su narración es puramente visual, sin renunciar a un rico arsenal que extrae del mundo de los ruidos, y de una cuidada música sabiamente colocada en todas sus películas; muchas de sus bandas sonoras son recordadas y además son dignas de estudio.
Así, Jacques Tati, planteó un estilo muy personal, entre la tradición muda y una concepción ciertamente vanguardista del arte de contar cosas a través de imágenes en movimiento.
.
Como brillante continuador de todos aquellos maestros del cine mudo (Chaplin, Keaton y otros), sus filmes, son colecciones de gags y situaciones cómicas, y al mismo tiempo, poseen un contenido crítico a la sociedad moderna y tecnificada. Como en “Tiempos Modernos”, la crítica del hombre actual inserto en un avasallador mundo material le conducirá luego de modo natural a la burla de la civilización urbana y todo lo que conlleva de inhumano (urbanismo, funcionalismo, diseño, automatismo etc.).
Pero en Tati, la sátira nunca es ácida, ni la risa estalla puntualmente en carcajada fruto del resbalón, siempre es una composición, una suite con pasajes más o menos jocosos, que finalmente desembocan en una alegre sonrisa, nunca falta de reflexión y ternura.
.
La estructura de sus películas son enormes sinfonías visuales, parcas en diálogos, donde la mímica es principalmente el particular método narrativo. Tuvo tanta calidad, que todas sus películas son objeto de rescate urgente para todo buen amante del cine, como arte.
.
Además, de su experiencia con la cámara en varios cortometrajes como director e intérprete en -Soigne ton gauche (1936) o L´école des facteurs (1947) entre otras, cabe destacar los maravillosos largos, Día de fiesta (1948), Las vacaciones de M. Hulot (1953), Playtime (1967), y sobretodo Mon oncle.

.

.

En Las vacaciones de Mr. Hulot, Tati crea a su personaje favorito, el desgarbado monsieur Hulot, que paseará su raída gabardina y su pipa, desde entonces, en todas sus películas; en la “perfecta” y entrañable –Mi tío-, por supuesto también.
En “Mon oncle”, se dan cita todos los parámetros de su cine: filma casi siempre en planos generales, usa el diálogo más como ruido que como forma de comunicación y sobretodo trastoca lo posible y lo transforma en inesperado azar, para sorprender al espectador. Y todo ello, sin abandonar la amable, pero contundente crítica social ante un mundo cada vez más tecnificado, más frío y menos humano. Y lo hace sin traicionar la constante en todos sus trabajos, el gran dominio del lenguaje narrativo que elevaría su cine, por merecimiento a la categoría de cine de autor. Un cine a la altura de Bresson e incluso del mismísimo Bergman.
.
Tati, fue un personaje sin duda singular, insobornable, sin dejarse encasillar ni malear, iconoclasta con estilo y practicante de un humor blanco ya del todo olvidado por anti-comercial. Siempre animado por actos de suprema coherencia y santa locura. Jacques Tati nunca gano dinero con sus películas, al revés siempre acababa endeudado y tenia que acabar los rodajes pidiendo dinero prestado. Dando el mejor ejemplo de que artista y subvencionado no tienen porqué ser sinónimos.
Finalmente, sus intentos de adaptar su querido personaje de Hulot al ambiente más áspero de finales del siglo XX no tuvieron éxito. En 1979, recibió el Gran Premio Nacional de las Artes y las Letras del gobierno francés.
.
Actor, mimo, clown, y excelente director, el francés Jacques Tati (1907-1982) es considerado uno de los más grandes de la historia del cine. Así, a más de un siglo de su nacimiento, es ciertamente justo que desde este humilde blog, dediquemos este pequeño homenaje a este gran genio francés. Hoy, a más de 25 años de su muerte, sus filmes siguen provocando risas y sus delirantes personajes son objeto de estudio.
Dijo Tati, en una ocasión, “El público todavía tiene capacidad de reír y quiere hacerlo. Por tanto, mientras el mundo mecanizado no nos devore la hilaridad, el cine cómico seguirá existiendo”. El director francés Jacques Tati tenía razón, queremos seguir riendo y disfrutando, una y otra vez de todo su hermoso cine.
.
Finalmente os dejo con la escena inicial de “Mon Oncle”, ¿No es una música deliciosa?
.

* * * * *

LA IMPORTANCIA DE LOS MUERTOS

Continuando un poco por la vía “norteña” en la que acabé ayer mi tanda de vídeos, hoy me gustaría reseñaros otra de esas pequeñas joyas que ennoblecen el arte cinematográfico.
Es una obra corta en metraje y está basada en un relato breve, pero esto, en modo alguno, quiere decir que no sea apreciada en su magnitud, pues es un diamante de muchos quilates.
.
La obra en sí, se llama “Dublineses”, y es la obra póstuma de John Huston, director de obras tan notables como “El halcón maltés”, “La reina de África”, o la genial y también crepuscular “El honor de los Prizzi”, y tantas otras…
John Huston rodó “Dublineses” ya, gravemente enfermo y ni siquiera llegó a ver su estreno, pero eso no impidió que nos dejara un magnífico regalo de despedida. Cine con mayúsculas que hace de esta disciplina artística un camino para detener en el tiempo en esos necesarios momentos de observación y reflexión.
.
“Dublineses”, está basada en una conocida obra literaria del escritor irlandés James Joyce. Y es, concretamente una colección de catorce relatos, de los cuales, uno de ellos, “Los muertos”, fue el escogido por Huston para hacer este último